宋朝的那些花儿

　　佛说：“一花一世界，一叶一菩提。”

　　李煜说：“春花秋月何时了？往事知多少。”

　　李清照说：“长记海棠开后，正是伤春时节。”

　　苏轼说：“花开又花谢，离恨几千重。”

　　余秋雨说：“生命是一树花开。”

　　花，在人类文化的发展过程中，很早就超越了自然物象本身，成为人们寄寓情感、抒发理想的载体。所以除了诗词歌赋，以花为主题的绘画，也一直随着时代的变迁而不断地演变和丰富。其中，宋朝的工笔花卉以其独特的生动与典雅，历经千年而魅力不减，为中国美术史留下了绚丽夺目的一页，至今仍是难以逾越的高峰。

　　《出水芙蓉图》据传为南宋画家吴炳所作，是南宋院体画的精品。这幅构图饱满、笔法精妙的作品，采用的是中国传统的工笔画技法，即用墨色勾线后再层层渲染着色。这种画法早在春秋时期已有雏形，到唐代逐步完善，至五代趋于成熟，于两宋时期达到顶峰。工整精细、色彩富丽的工筆画，是宋代宫廷画院的主流绘画形式，因此也被称为院体画。

　　一幅画想要看起来赏心悦目，能够满足观赏者的审美需求，依靠的不仅仅是娴熟的技巧和细致入微的刻画，还要在很大程度上符合艺术创作法则和普遍的审美规律。在《出水芙蓉图》中，几乎占据整个画面的荷花粉嫩腴润，浓绿的荷叶厚重挺实，金黄的花蕊簇拥着鲜绿的莲蓬，似有清风拂过，荷香扑面袭来。画家通过细腻生动的描绘，表现了夏日荷花“秀色粉绝世，馨香为谁传”的美好形象，以及“卷舒开合任天真”的轻盈姿态。这种看似写实的表现手法其实是由作者精心设计的，也就是我们常说的“艺术源于生活，高于生活”。这幅画中，花瓣的大小、主次、动势，以及不同形状的花瓣之间的穿插排列，荷叶上长短叶脉的走向，都通过画家的写生提炼最终形成富有节奏感的韵律。画家用线条的虚实变化和不同的渲染方法，体现出花、叶、蕊、茎的质感差异，用笔洗练、概括又自然活泼，色彩明丽、纯净又不失沉稳厚重。整个画面和谐中有对比，对比中有统一。画家突出了物象最本质的特征，强化了形式美感，才有了最终的精致典雅的画面。

　　像《出水芙蓉图》这样堪称经典、流传至今的宋代工笔画很多，它们尽管都严格地遵循了工笔画的绘制程序，但依然做到了风格多样、面貌丰富。《海棠蛱蝶图》《碧桃图》《紫薇图》《牡丹图》等都是特色鲜明、具有代表性的作品，这些作品自然清新、朴素典雅，在今天仍然有着极高的艺术价值，临摹宋画也因此成为艺术高校中国画专业的必修课程。

　　要知道，在那个时代，这些好看的花儿并不是单纯地作为艺术品供人赏玩的，它们被广泛地应用于扇面、灯片、窗纱、屏风。即使在普通百姓家里，这些小品式的绘画也是寻常的生活用品装饰物。想象一下，这是多么雅致的生活！

　　雅致，几乎贯穿于宋朝300多年的历史。这种雅致不仅体现在文学艺术创作的繁荣上，更体现在宽松开明的政治环境下，知识分子思想上有自由、人格上有尊严，君子之风盛行。宋朝是中国历史上真正的士大夫时代。包容、创新、理性和平等是宋朝文化的主要特点，科技和经济的发达也促进了平民文化的发展。雅致成了全社会的生活追求，正如史学家陈寅恪所说：“华夏民族之文化，历数千载之演进，造极于赵宋之世。”也正是在这种环境下，宋朝时中国美术才达到了高峰。宫廷画院的兴盛、文人雅士的参与，都大大提升了宋朝绘画的品质。这些以文学性为主旨的工笔花卉，取材广泛、造型生动简洁。无论尺幅大小，都制作精良；即便闲花野草，也表现得从容大气；风格无论是富丽还是恬淡，都表现出了率真与典雅的诗兴。

　　宋朝美术，把道家推崇的“自然美学”与儒家倡导的“无伪不美”有机结合，在尊重自然的基础上，对现实物象进行了高度提炼和概括，并融入了画家的人生理想和感悟。这种既感性又超感性的审美追求，强调的是以人性为本的主观创作精神，也是宋朝的那些花儿经久不败的哲学基础。